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HEITOR VILLA-LOBOS (1887-1959)
BACHIANAS BRASLEIRAS Nº1 (1930)
(transcrição: Sérgio Abreu)
- Embolada (Introdução) 6:43
- Modinha (Prelúdio) 6:39
- Conversa (Fuga) 4:17
- A LENDA DO CABOCLO (1920) 3:28
(transcrição: Eduardo Fleury)
LEO BROUWER (1939)
- PAISAJE CUBANO COM RUMBA (1985) 7:33
- TOCCATA (ed. 1988) 2:13
IGOR STRAVINSKY (1882-1971)
8 PEÇAS (1915-1917)
(transcrição: Paulo Porto Alegre)
- March 1:09
- Waltz 1:35
- Polka 0:52
- Andante 1:21
- Espanõla 0:59
- Balalaika 0:44
- Napolitana 1:14
- Galop 2:04
ESTÉRCIO MARQUEZ CUNHA (1941)
- SUITERNAGLIA (1993) 6:01
(1º gravação mundial)
LEO BROUWER (1939)
- PAISAJE CUBANO COM LLUVIA (1984) 7:42
tempo total: 55:10
Leo Brouwer’s works have largely contributed to spread and stabilize the formation of guitar quartets as an interesting chamber proposal which is more and more present in the international musical scene.
The three pieces correspond to the author’s present esthetical concerns – the oldest one was created over 10 years ago – but they preserve important influences from previous phases of his composing path, that is that of a late romanticism with national Latin American qualities (the fifties-sixties) and that of radical vanguard experiences (the sixties-seventies).
Minimalism and the use of exotic scales must be emphasized as some of the main influences present in his work for quartet.
Paisaje Cubano con Rumba was written at first for Franz Brügen’s flute quintet and later it was adapted by the author for guitar quartet as well as for guitar solo and magnetic tape. Together with Paisaje Cubano con Lluvia and with Paisaje Cubano con Campanas (1986) for guitar solo we have the series of “Paisajes”. Brouwer offers the possibility of having more than four instrumentalists performing these pieces.
Estércio Marquez Cunha, a Brazilian composer, is a Doctor of Arts by the University of Okhahoma (USA) and a teacher at Universidade Federal de Goiás. Besides Suiternaglia, his repertoire for guitar includes two pieces for guitar solo, music for guitar and violin, three pieces for soprano, flute and guitar, and music for two guitars.
On Suiternaglia the author says: “Suiternaglia was written for four guitars (especially for Quaternaglia) in three continuous and inseparable movements. Basically moulded on the same elements, each movement preserves its own emphasis: the first one is melodious, the second one is full of timbre and the third one is rhythmical”.
Lenda do Caboclo was written by Heitor Villa-Lobos for piano solo in 1920. Choros nº1 for guitar solo was written in the same year and as far as the piano work is concerned we can find Lenda do Caboclo between Prole do Bebê nº1 (1918) and nº2 (1921), a period before Villa-Lobos’ participation in Semana de Arte Moderna de 1922 in São Paulo and his first trip to Paris (1923). Eduardo Fleury did the transcription for guitar quartet.
The series of 9 Bachianas Brasileiras (1930-45) was conceived by Villa-Lobos as a dialogue between the universality of J.S. Bach’s work (1685-1750) and the Brazilian popular music of the first half of the century. Bachianas Brasileiras nº1 shows this intention in the double titles of the movements: Introdução connected with the rhythm of “emboladas”, Prelúdio with the melodism of “modinhas” and Fuga with a “talk” between four “Chorões” from the city of Rio de Janeiro of the beginning of the century. Dedicated to Pablo Casals it was originally composed for 8 cellos and it was performed for the first time in Rio de Janeiro and directed by Walter Burle Max. On this recording, Quaternaglia performs Sergio Abreu’s transcription, a Brazilian guitarist and luthier.
Igor Stravinsky wrote Three Pieces for Piano at Four Hands in 1915 (March dedicated to Alfred Casella, Waltz to Eric Satie, and Polka to Serge Diaghilev) and 5 Pieces for Piano at Four Hands in 1917 (Andante, Española, Balalaika, Napolitana and Galop), in a piano hiatus between the 4 Studies op7 (1908) and Piano Rag-Music (1919). Almost simultaneously he did the orchestration of these 8 pieces now divided into two suites: nº 2 (1921) containing March, Waltz, Polka and Galop and nº 1 (1925) with Andante, Napolitana, Española and Balalaika.
These 8 Pieces were successfully performed by the famous Aguillar Lute Quartet during tours all over Europe and in North and South America in the twenties and thirties. These Spanish musicians were praised by the famous Brazilian writer Mario de Andrade when they presented their concerts in São Paulo in 1933. The first recording for guitar quartet dates from 1976 and was performed by the Argentinian quartet Martinez-Zárate. This present version was conceived from the original for piano at four hands by the Brazilian guitarist Paulo Porto Alegre who also did the transcription and the recording of some of these pieces for guitar trio (Trio Opus 12, 1982).
The origins of putting together the most different musical instruments with the aim of exploring possibilities of sound combinations date from the birth of music itself, even with its most primitive forms. Therefore, it’s not surprising at all the fact that when vibrating string instruments reach a significant popularity, they are acclaimed in Europe during the Renaissance, bringing a great number of compositions for duet, for instance, and a smaller number for lute trio.When the guitar is preferred to the lute in the 19th. century, there were again a lot of pieces performed by duets and trios.
Nevertheless, the possibilities of putting together in a quartet not only lutes but also guitars have been completely avoided. It’s not difficult to understand what were the reasons why when we examine – even if we do it superficially – the existing chamber music literature. Above all, we can see there was almost always a concern with the idea that all different parts of each instrumentalist were equally valued so that none of the musicians felt inferior. What occurred more often was simply inverting voices whenever a part was repeated or changed and this worked out perfectly as far as duets are concerned. When it came to trios other expedients were necessary sometimes to the detriment of the group’s clarity: three instrumental voices had to act within the same tessitura, sounding almost as a competition among them. Having this idea in mind, we can see that the fourth additional guitar would easily cause a sound jam of an indigestable “guitar performance”.
It is interesting to see that there was no attempt to adapt some of the techniques used in compositions for groups of arch instruments where such concern was not that important. And this could not be so, especially because of differences of tessitura (which mostly determines the performance of each instrument), consequently, the global result is more important than the individual splendour. If the last century’s guitarists had been more familiar with the compositions for other instrumental groups, maybe this attitude would have created well structured works for guitar quartets which I believe would have been very popular both in concert rooms and in soirées where musicians and music enthusiasts often met.
Going from conjectures on the past to today’s reality, it is a fact that the extraordinary popularity of the guitar during the second half of the 20th century led to the emergence of a growing variety of guitar ensembles, ranging from acclaimed duets to huge Japanese orchestras with dozens (sometimes hundreds) of guitarists. Obviously, since most of these groups had been recently created, many of them were in an experimental period and it was too early to have a prognosis on their possible evolution. However, it is easily predictable that the guitar orchestras with symphonic dimensions were merely exotic curiosities having more of a visual than an auditive impact. We can also see a guitar duet as a definite formation which adds to the existing vast repertoire from the 16th to the 19th centuries a much greater number of high quality contemporary compositions.
And among the most interesting and promising news of recent times we can undoubtly include experiences that have been conducted by different groups in several countries where a concept of instrumentation adequate for guitar quartet and an appropriate repertoire for this musical background have been developed. Besides having inspired a great number of original compositions they have also given birth to many arrangements from works that had been originally written for other musical groups some of them with surprising results. Contrary to last century’s prevailing instrumentation style, today guitar groups are preferably seen as an organic whole, using a great deal of timbre combinations.
It was with this idea in mind that one adaptation of Villa Lobos’ Bachianas Brasileiras nº1 occurred to me. In such procedures we must think not only in terms of simply making the repertoire bigger by means of an additional arrangement, but there must be above all a good reason for doing so. In this case I wouldn’t say that this piece is better than its original version, that for a cello orchestra, when performed by a guitar quartet, except in parts of the first movement (especially the beginning), which is a clear imitation of “cavaquinho” (a small guitar – a typical Brazilian instrument). This version sounds more natural because of the guitar sonority. Obviously, this is not the case during the biggest part of the second movement where the cello reigns as a sovereign and this is the reason why I first thought this Prelude/Modinha should be eliminated of this guitar version. However, the main reason for this arrangement seems that even though it is one of the most beautiful and original Villa-Lobos’ compositions it has rarely been performed or recorded (I don’t know of any public performance during the last twenty or thirty years) for the simple reason that there haven’t been (maybe not any longer) any cello orchestras. In the early seventies, I remember I was in New York on the day a concert was held at Carnegie Hall in Pablo Casals’ honour where one hundred cellists participated. If I’m right they played only these Bachianas’ second movement. Therefore, without having the intention of making it better but rather thinking it is an opportunity to make it known, a piece which is both rare and beautiful, it is a great pleasure to see it included on this Quaternaglia’s CD.
translated by Margarita Lamelo
I had already heard Quaternaglia playing in Santos, at Teatro Municipal, and the concert really interested me with Stravinsky’s, Villa-Lobos’ and Brouwer’s pieces. A live interpretation full of youth. Now we have this CD that shows this group’s talent and serious work. It is a group that knows how to choose its repertoire and perform it perfectly both technically and intellectually. I think the best we can do is to sit and hear so as to enjoy this good music.
Engenheiro de som: José Luiz Costa (Gato)
Consultor musical: Edelton Gloeden
Gravado na Igreja Escandinava de São Paulo
(10 a 16 de fevereiro de 1995)
Assistente de gravação: Nelson Pereira dos Santos
Instrumentos: violões Sergio Abreu (Brasil)
Chaves – 1989/ Fleury – 1988
Ramazzina – 1991/ Molina – 1992
Foto da Capa: Gal Oppido
Edição e fotolitos: EBART Editorial
HEITOR VILLA-LOBOS (1887-1959)
BACHIANAS BRASLEIRAS Nº1 (1930)
(transcrição: Sérgio Abreu)
- Embolada (Introdução) 6:43
- Modinha (Prelúdio) 6:39
- Conversa (Fuga) 4:17
- A LENDA DO CABOCLO (1920) 3:28
(transcrição: Eduardo Fleury)
LEO BROUWER (1939)
- PAISAJE CUBANO COM RUMBA (1985) 7:33
- TOCCATA (ed. 1988) 2:13
IGOR STRAVINSKY (1882-1971)
8 PEÇAS (1915-1917)
(transcrição: Paulo Porto Alegre)
- March 1:09
- Waltz 1:35
- Polka 0:52
- Andante 1:21
- Espanõla 0:59
- Balalaika 0:44
- Napolitana 1:14
- Galop 2:04
ESTÉRCIO MARQUEZ CUNHA (1941)
- SUITERNAGLIA (1993) 6:01
(1º gravação mundial)
LEO BROUWER (1939)
- PAISAJE CUBANO COM LLUVIA (1984) 7:42
tempo total: 55:10
A obra de Leo Brouwer tem contribuído bastante para a ampliação e estabilização da formação quarteto de violões como uma proposta camerística interessante e cada vez mais presente no cenário musical internacional. As três peças inserem-se no contexto das atuais preocupações estéticas do compositor – a mais antiga delas data pouco mais de dez anos – mas guardam influências importantes das fases anteriores de seu percurso composicional, a saber, a do romantismo tardio com características nacionalistas latino-americanas (anos 50-60), e a das radicais experiências de vanguarda (anos 60-70).
Dentre as principais influências presentes na obra para quarteto destacam-se a do minimalismo e o uso de escalas exóticas.
A Paisaje Cubano con Rumba foi inicialmente escrita para o quinteto de flautas doce de Franz Brügen e posteriormente adaptada para quarteto de violões e também para violão solo e fita magnética pelo autor. Juntamente com a Paisaje Cubano con Lluvia e com a Paisaje Cubano con Campanas (1986) para violão solo constitui a série das “Paisajes”. Brouwer deixa aberta a possibilidade dessas peças serem executadas por mais de quatro instrumentistas .
O compositor brasileiro Estércio Marquez Cunha é Doutor em Artes pela University of Oklahoma (USA) e professor da Universidade Federal de Goiás. Além de Suiternaglia seu repertório para violão inclui duas peças para violão solo, música para violão e violino, três peças para soprano, flauta e violão, e música para dois violões.
Sobre Suiternaglia escreve o compositor: “Suiternaglia foi feita para quatro violões (especificamente para o Quaternaglia) em três movimentos ininterruptos e inseparáveis. Moldados basicamente sobre os mesmos elementos, cada movimento guarda sua própria ênfase: o primeiro melódico, o segundo tímbrico, e o terceiro rítmico.”
A Lenda do Caboclo foi escrita por Heitor Villa-Lobos em 1920 para piano solo. É do mesmo ano que o Choros nº1 para violão solo e, na obra pianística, situa-se entre a Prole do Bebê nº1 (1918) e a nº2 (1921), um período que antecede sua atuação na Semana de Arte Moderna de 1922 em São Paulo e a primeira viagem a Paris (1923). A transcrição para quarteto de violões é de Eduardo Fleury .
A série das 9 Bachianas Brasileiras (1930-45) foi concebida por Villa-Lobos como um diálogo entre a universalidade da obra de J. S. Bach (1685-1750) e o mundo da música popular brasileira da primeira metade do século. A Bachianas Brasileiras nº1 indica na duplicidade dos títulos dos movimentos essa proposta: a Introdução associada ao ritmo das “emboladas “, o Prelúdio ao melodismo das “modinhas” e a Fuga a uma “conversa” entre quatro “Chorões” e, segundo o autor , “à maneira de Sátiro Bilhar”, músico popular que conviveu com Villa-Lobos nas “rodas de Chorões” da cidade do Rio de Janeiro do início do século. Dedicada a Pablo Casals , é original para 8 violoncelos e foi estreada no Rio de Janeiro dirigida por Walter Burle Max. Na gravação, o Quaternaglia se vale de uma transcrição do violonista e luthier brasileiro Sérgio Abreu.
Igor Stravinsky escreveu as 3 Peças para Piano a Quatro Mãos em 1915 (March, dedicada a Alfredo Casella, Waltz, dedicada a Erik Satie, e Polka, dedicada a Serge Diaghilev) e as 5 Peças para Piano a Quatro Mãos em 1917 (Andante, Española, Balalaika, Napolitana e Galop), num hiato pianístico entre os 4 Estudos op7 (1908) e a Piano Rag-Music (1919). Quase imediatamente procedeu à orquestração das 8 peças, divididas agora em duas suites: a nº2 (1921), contendo March, Waltz, Polka e Galop e a nº1 (1925), com Andante, Napolitana, Española e Balalaika.
As 8 Peças foram apresentadas pelo renomado Quarteto de Alaúdes Aguillar, que atuou com grande sucesso em tournèes pela Europa e Américas nos anos 20 e 30. As apresentações dos músicos espanhóis mereceram críticas elogiosas de Mário de Andrade quando de seus concertos em São Paulo em 1933. A primeira gravação para quarteto de violões foi feita em 1976 pelos músicos do quarteto argentino Martinez-Zárate. A presente versão foi concebida a partir do original para piano a quatro mãos pelo violonista brasileiro Paulo Porto Alegre, que também transcreveu e registrou algumas dessas peças para trio de violões (Trio Opus 12, 1982).
Sidney Molina
As origens do hábito de se agrupar os mais variados instrumentos musicais, com o objetivo de se explorar as possibilidades de suas combinações sonoras, confunde-se quase que com as da própria música, mesmo em suas formas mais primitivas. Não causa qualquer surpresa, portanto, a constatação de que, quando os instrumentos de cordas pulsadas atingiram a enorme popularidade que os consagrou na Europa, durante o período renascentista, grande número de composições foram realizadas, por exemplo, para duo e, em menor quantidade, trio de alaúdes. Quando, no século dezenove, o violão substituiu o alaúde na preferência do público, houve novamente grande produção de obras para serem tocadas em duo ou em trio.
No entanto, as possibilidades do agrupamento, em quarteto, tanto de alaúdes como de violões parecem ter sido totalmente evitadas. Não é difícil de se compreender quais podem ter sido os motivos, ao se fazer uma análise, ainda que superficial, da literatura camerística que foi produzida. Acima de tudo, observa-se que houve, quase sempre, a preocupação com que as partes de cada instrumentista tivessem, todas, o mesmo grau de importância, obviamente para que nenhum dos músicos se sentisse inferiorizado. O recurso mais utilizado era o de, simplesmente, se inverter as vozes, sempre que um trecho qualquer era repetido ou variado, o que funcionava perfeitamente em se tratando de duetos. No caso de trios tornavam-se, também, necessários outros recursos, às vezes em prejuízo da clareza do conjunto, quando se insistia em que as três vozes instrumentais atuassem exatamente dentro da mesma tessitura, quase que numa competição entre elas. Dentro desse espírito, pode-se imaginar que o acréscimo de um quarto violão tenderia a produzir, facilmente, o congestionamento sonoro de uma indigesta “ violonada”.
É interessante se observar que não se tentou adaptar algumas das técnicas utilizadas em composições para conjuntos de instrumentos de arco, nas quais essa preocupação não existia em tão alto grau, e nem poderia ser assim, principalmente por motivo das diferenças de tessitura (que, em grande parte, determina a atuação de cada instrumento), tendo tido, sempre, em conseqüência, maior importância o resultado global que o brilho individual. Uma familiaridade maior, por parte dos violonistas do século passado, com as composições feitas para outros grupos instrumentais talvez tivesse inspirado a realização de obras bem estruturadas para quarteto de violões, que, acredito, poderiam ter tido grande popularidade, tanto nas salas de concerto quanto nos saraus que, com freqüência, reuniam músicos e diletantes.
Passando-se das conjeturas sobre o passado à realidade dos dias de hoje, é fato notório que a extraordinária popularidade alcançada pelo violão, na segunda metade do século vinte, levou ao surgimento de uma variedade crescente de conjuntos violonísticos, desde os já consagrados duos até as exageradas orquestras japonesas compostas de dezenas (às vezes centenas) de violonistas. É evidente que, em se tratando, na maior parte, de formações novas, várias encontram-se ainda em fase de experimentação, sendo prematuro se fazer um prognóstico quanto a possíveis desenvolvimentos. Ainda assim, pode-se, facilmente, prever que as orquestras violonísticas de dimensões sinfônicas não passaram de exóticas curiosidades, de maior efeito visual que auditivo, da mesma maneira que já se pode considerar o duo violonístico como uma formação definitiva, tendo sido o já extenso repertório dos séculos dezesseis a dezenove acrescido de um número ainda maior de composições contemporâneas de alta qualidade.
E eis que, entre as novidades mais interessantes e promissoras dos últimos tempos, podemos, sem dúvida, incluir as experiências, que vem sendo realizadas por vários grupos, em diversos países, de desenvolvimento de um conceito de instrumentação adequado para quarteto de violões, e de um repertório apropriado para essa formação musical. Além de terem inspirado um grande número de composições originais, deram também origem a muitos arranjos, alguns dos quais de resultados surpreendentes, de obras anteriormente escritas para outros grupos musicais. Ao contrário do estilo de instrumentação predominante no século passado, atualmente vem sendo enfatizada a importância de se considerar o conjunto dos violões como um todo orgânico, fazendo-se amplo uso das inúmeras combinações tímbricas possíveis.
Foi dentro desse espírito que me ocorreu fazer uma adaptação para esse meio das Bachianas Brasileiras nº1 de Villa-Lobos. Em abordagens desse tipo não se deve pensar, apenas, na simples ampliação do repertório, por meio de mais um arranjo, mas, sobretudo, se considerar que é necessário haver uma boa justificativa para esse procedimento. Nesse caso não afirmaria que, tocada por um quarteto de violões, essa obra soe melhor que na versão original, para orquestra de violoncelos. Possivelmente sim, em vários trechos do primeiro movimento, sobretudo o início, clara imitação de cavaquinhos que resulta mais natural na sonoridade dos violões. Certamente não na maior parte do segundo movimento, onde o canto do violoncelo reina supremo, motivo pelo qual cheguei a considerar que esse Prelúdio/Modinha devesse ser eliminado dessa versão violonística. A principal justificativa para esse arranjo, porém , parece-me ser a de que, mesmo sendo uma das mais belas e originais composições de Villa-Lobos, tem sido rarissimamente tocada ou gravada (não tenho notícia de nenhuma apresentação em público nos últimos vinte ou trinta anos) pelo simples motivo de que não existem (ou não existem mais) orquestras de violoncelos. Lembro-me de, no início da década de setenta, estar em Nova York no dia em que foi realizado um concerto, no Carnegie Hall, em homenagem a Pablo Casals, com a participação de cem(!) violoncelistas. Se bem me recordo, chegaram a tocar apenas o segundo movimento dessas Bachianas. Assim, sem ter pretendido melhorar, mas principalmente acreditando ser essa uma oportunidade de se tornar mais conhecida esta obra tão rara quanto bela, é um prazer vê-la incluída nesta auspiciosa estréia em CD do Quaternaglia.
Eu ja tinha ouvido o Quaternaglia tocar em Santos, no Teatro Municipal, e muito me entusiasmou seu concerto, com obras de Stravinsky, Villa-Lobos, Brouwer. Interpretação vibrante, plena da juventude dos quatro violonistas. Agora temos este CD que registra o talento, a seriedade, a consciência musical deste grupo de musicistas que sabe escolher seu repertório e tocá-lo com absoluto domínio técnico e intelectual. Acho que o melhor que podemos dizer deste lançamento, é que se trata de um disco para a gente sentar e ouvir, com aquele eterno prazer que nos dá a grande música bem tocada.
Engenheiro de som: José Luiz Costa (Gato)
Consultor musical: Edelton Gloeden
Gravado na Igreja Escandinava de São Paulo
(10 a 16 de fevereiro de 1995)
Assistente de gravação: Nelson Pereira dos Santos
Instrumentos: violões Sergio Abreu (Brasil)
Chaves – 1989/ Fleury – 1988
Ramazzina – 1991/ Molina – 1992
Foto da Capa: Gal Oppido
Edição e fotolitos: EBART Editorial